Acción realizada por actores (personajes dramáticos) en un escenario mediante el diálogo. Los personajes encarnan las ideas y conceptos del dramaturgo.  Vemos desarrollar la acción.  Público.  El actor representa una acción.  El público presencia el espectáculo dramático.

        Partes de la acción dramática:

1. Exposición (información sobre personajes):  Incidentes: palabras, acciones, mal entendidos que provocan conflictos dramáticos.  Los incidentes causan una tensión dramática que va aumentando hasta llegar al clímax o al . . . 
2. Nudo de la acción.  El clímax es el momento de máxima tensión que mantiene en suspenso a los espectadores hasta llegar al final de la obra o al . . . 
3. Desenlace, o solución del problema planteado y el descenso desde el clímax hasta el final. El desenlace debe ser natural y de acuerdo a los términos del conflicto planteado.

1. Actos o jornadas (partes fundamentales en el desarrollo de la acción dramática.  Los actos facilitan el cambio de escenario, de tiempo, de lugar).  Generalmente hay tres actos en el drama español (o sea, interrupciones de la acción dramática).
2. Cuadros (forma moderna de indicar los cambios de lugar, variaciones de ambiente, pero no indican un cambio fundamental en la acción dramática como los actos).
3. Escenas (divisiones menores dentro de los actos.  Se originan por las entradas y salidas de los personajes durante la representación).

1. Unidades (de acción [Aristóteles, Poética], lugar, y tiempo.  Sólo la primera ha sido respetada por los dramaturgos.
2. Verdad (verosimilitud).  Los personajes y las situaciones dramáticas deben estar conformes con la realidad.
3. Variedad (diversidad de peripecias [cambios], sorpresas [agniciones] para mantener el interés de una obra).
4. Interés (el plan de acción de la obra, no el tema.  Hay que mantener un ascenso en la intensidad y sorprender al público con situaciones inesperadas.  El dramaturgo no debe permitir que el público se le adelante en la solución de las situaciones).
5. Representabilidad (hay obras que no pueden ser representadas por la infinidad de personajes, lo complicado de la representación, la extensión de los actos.  Son para leerse).

1. Protagonista (individuo con personalidad propia, humano, dotado de sentimientos y pasiones que reflejen el mundo de la vida).
2. Antagonista (el que lucha o se enfrenta al protagonista).
3. Objeto (el fin que persiguen ambos).
4. Destinatario del objeto (la persona que recibe el objeto por el cual luchan el protagonista y el antagonista).
5. Juez (el que decide a quien pertenece el objeto, o el que establece la paz que no pueden establecer el protagonista y el antagonista).  A veces se le llama Deus ex machina.
6. Ayudante (el que asiste a cualquiera de las funciones ya mencionadas).

Personajes dramáticos 

        Caracterización:

1. Directa (el conjunto de las manifestaciones hechas por otros personajes acerca de uno determinado).
2. Indirecta (cuando el espectador debe sacar conclusiones acerca de un carácter tomando como punto de partida las palabras y acciones del propio personaje).

Soliloquio

    Diálogo (la forma de expresión propia del drama).  Los personajes deben hablar de acuerdo a su edad, profesión, carácter y temperamento.  Dentro de las posibilidades expresivas del drama hay variaciones: monólogo (cuando un personaje habla); soliloquio (cuando un personaje habla consigo mismo y expresa sus más íntimos pensamientos); apartes (asides), anticipos de lo que piensan hacer los personajes.  Los otros personajes fingen no oír los apartes.
    Acotaciones escénicas (las direcciones que el dramaturgo intercala antes de cada escena para indicar de qué forma quiere que los actores interpreten esa escena.  Es como si el dramaturgo hubiera intercalado en la obra un narrador).
    Cualidades del diálogo.  Debe ser natural, como si saliera espontáneamente de los labios de los actores.  No deben dar la apariencia de haber sido memorizados de antemano.  hay que haber variedad, cambios de voz, de gestos, de acentos, de entonación.  En el siglo XIX se impuso el diálogo en prosa por ser más natural.  En el Siglo de Oro la mayoría de los dramas era en verso. 
    Escenografía (realizada no por el autor sino por el productor y el director.  Consiste de luces, vestuario, decorados y gestos de los actores [Grotowsky] que dan vida al drama frente a los espectadores [L. spectare = mirar]).  La escenografía varía mucho y hasta puede ser eliminada totalmente. 

     Géneros dramáticos:

1. Tragedia (acción grave llevada a cabo por un personaje importante que no logra vencer sus obstáculos y al final muere o sufre en demasía).
2. Comedia (acción leve cuyos supuestos obstáculos son superados inesperadamente por personajes irreales o ridículos.  Esto causa risa).
3. «Drama» (planteamiento de un conflicto real y doloroso con personajes estrictamente humanos [no heroicos ni risibles]).
4. Teatro de tesis (cuando el dramaturgo usa el drama para defender una teoría política, religiosa, moral, o social: e.g., Ibsen, Brecht, teatro sudafricano, chicano,  moderno, etc.).
5. Teatro sicológico (cuando el teatro es análisis sicológico de dos o más personajes [Equus, Amadeus, etc.]).
6. Autos sacramentales (obras alegóricas de un acto donde se personifican las virtudes y los vicios y se exaltan el misterio de la Eucaristía y las verdades fundamentales del catolicismo. Tuvieron gran auge en el siglo XVII).
7. Loa (obra alegórica y de circunstancia escrita para conmemorar algún hecho o personaje histórico).
8. Pasos (obras breves de argumento sencillo, con intención cómica.  Son famosos los de Lope de Rueda).
9. Entremeses (breves estampas dramáticas que se representaban entre los actos de las comedias y servían para entretener al público [comic relief] mientras se cambiaba la escenografía para el próximo acto.  Están llenos de gracia maliciosa y alegre ironía.  Son famosos los de Cervantes).
10. Sainete (comedia breve que presenta en uno o dos actos costumbres populares para provocar la risa y diversión del público).

Wolfgang Amadeus Mozart hace frente al espíritu de su padre en Amadeus (ejemplo de teatro sicológico)

    Orígenes y desarrollo del teatro español:
I.  Representaciones medievales:
     A.  Drama litúrgico:
          1.  Misterios (representaciones religiosas que llevaban a escena la vida de un santo o episodios de la natividad o la pasión de Cristo, e.g., El auto de los reyes magos [siglo XII-XIII]).
          2.  Moralidades (c. 1300.  Representaciones alegóricas en que los personajes simbolizaban ideas, virtudes, vicios, etc.).
     B.  Farsa ('relleno' entre descansos).  Juegos de escarnio (función cómica.  Elementos profanos.  Crítica social y eclesiástica).
II.  Ciclo de Lope de Vega:
     A.  Lope de Vega (1562-1635) [comedias de tres actos, poliestrofismo, sin unidad de lugar o tiempo, acción simple o compuesta, graciosos, temas nacionales [no clásicos], tragicomedia].
     B.  Tirso de Molina (1548-1642) [pintura de caracteres, uso de elementos histórico-nacionales, preocupación por temas teológicos].
     C.  Juan Ruiz de Alarcón (1581-1639) [preocupación por aspectos formales, subordinación de todo a los valores éticos como la justicia, actitud crítica hacia la mujer, costumbres convencionales, «mejicanidad»].
     D.  Otros lopistas: Guillén de Castro [Valencia].
III.  Ciclo de Calderón:
     A. Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) [teatro de ideas, reflexión y solidez, simbólico, abstracto, perfección de construcción técnica.  Límite de personajes, creación de caracteres, intensificación de emociones, lenguaje rico en metáforas, símbolos, alegorías, etc.].
     B. Otros calderonistas: Moreto, Rojas Zorrilla, Diamante, etc.

          NB: Tono (atmósfera que se logra por el lenguaje y la actuación de los personajes.  Puede ser lírico, melancólico, filosófico, religioso, melodramático, humorístico, satírico, festivo, etc.).

Jean Seberg como Santa Juana (de Arco) [1957]