RAMÓN MARÍA DEL VALLE-INCLÁN

(1866-1936)

     Ramón María del Valle y Peña nació en Villanueva de Arosa, Pontevedra (Galicia), España, eL 28 de octubre de 1866 y murió en Santiago de Compostela (Galicia) el 5 de enero de 1936.  Estudió derecho (law) en la Universidad de Compostela entre 1886 y 1889.  En 1892, a los 20 años de edad, se trasladó a México, aunque regresó un poco después (en 1893) a España. Recorrió gran parte de Sudamérica y vivió en Francia entre 1914 y 1918.  Pertenece Valle-Inclán a un grupo literario esteticista llamado Modernismo. Valora pues elementos pictóricos y musicales en su prosa. 

     Con Valle-Inclán pasamos del realismo anterior a la deformación de la realidad histórica.  En su juventud, Valle-Inclán fue conservador; no obstante, fue radical en su vejez.  En un primer momento publicó sus Sonatas (Sonata de otoño [1902], Sonata de estío [1903], Sonata de primavera [1904], y Sonata de invierno [1905]), fantasías exóticas escapistas modernistas sin preocupaciones políticas o éticas, aunque recientemente se han visto como obras que en efecto sugieren una crítica del materialismo, la hipocresía y la vulgaridad de la burguesía.  Estas obras son de gusto aristocrático y de decadencia moral, política y social.  El héroe principal es el Marqués de Bradomín, cuya fe religiosa le vale sólo para apreciar más su orgullo, sus sacrilegios, su fornicación y su necrofilia.  Hay en las Sonatas una cierta nostalgia por una época sin burguesía, donde sólo había nobles y vasallos.  En sus Comedias bárbaras (Águila de blasón [1907], Romance de lobos [1908] y Cara de plata [1922]), tenemos un patriarca gallego, don Juan Manuel Montenegro, un señor feudal bárbaro, arrogante, violento y tirano, aunque también es mostrado como un animal vigoroso lleno de valentía y generosidad.  Sus hijos, empero, son egoístas y traidores sin ninguna nobleza. 

     Optó Valle-Inclán una postura carlista, o sea, defendía a un pretendiente monárquico tradicionalista.  También estuvo a punto de apoyar la causa alemana tradicional durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918).  Al último momento, empero, se declaró anti-alemán (1915).  Ya para 1920 cambia Valle-Inclán de tradicionalista a progresista.  En una entrevista en el periódico El Sol, del 3 de septiembre de 1920, menciona: «El Arte es un juego . . . No debemos hacer Arte ahora, porque jugar en los tiempos que corren es inmoral, es una canallada.  Hay que lograr primero una justicia social».  Es en ese entonces cuando desarrolla su teoría del esperpento, cuya técnica se explica en Luces de bohemia, obra dramática que apareció entre julio y octubre de 1920 en el periódico España.  En la escena 12, Max Estrella, el protagonista de Luces de Bohemia, declara que «España es una deformación grotesca de la civilización europea» y por eso, «el sentido trágico de la vida española sólo puede darse con una estética sisstemáticamente deformada», una deformación similar al reflejo de un espejo cóncavo en el Callejón del Gato en Madrid.  La distorsión produce el esperpento o deformación.  O sea, Valle-Inclán sugiere una técnica de deformación para capturar una realidad que ya está deformada anteriormente.  La forma de lograr esta deformación es por medio de la deshumanización del personaje.  Lo convierte Valle-Inclán en animal, muñeco, títere, sombra o máscara.  Al aparecer sin vida, sin realidad, nos da una interpretación más verdadera de cómo es la vida en la realidad. 

     Valle-Inclán indica también que la deformación debe ser sistemática aunque no se ha visto esta sistematización totalizante en Luces de Bohemia.  Por ejemplo, se ha notado que el anarquista catalán y la madre del bebé muerto no fueron deformados por Valle-Inclán, ni la esposa ni la hija de Max Estrella.  LLamó esperpentos Valle-Inclán a las obras coleccionadas en Martes de Carnaval (1930): Los cuernos de don Friolera (1921), Las galas del difunto (1926) y La hija del capitán (1927).  Su novela magistral, basada en una realidad política deformada en Hispanoamérica, es Tirano Banderas (1926).

     Valle-Inclán critica amargamente en sus obras la realidad española rural, metropolitana, plebeya, aristocrática, contemporánea e histórica en forma brutal tremendista o por medio del ridículo.  Recientemente se ha pensado que en efecto Valle-Inclán tenía ciertos principios político-sociales revolucionarios.  Pero su compromiso no va más allá de una denuncia de la injusticia y la corrupción.  Ve como enemigos sociales a los reyes, aristócratas, curas, militares, la policía, los políticos conservadores y la burguesía. 

     En una entrevista con Martínez Sierra, publicada en el periódico ABC de Madrid el 7 de diciembre de 1928, habla de las 3 posibles perspectivas como un autor ve a sus personajes:

  • La perspectiva homérica (de rodillas), donde son seres superhumanos.
  • La perspectiva de Shakespeare (de pie), donde se ve a los personajes como si fueran de sangre y hueso, iguales al autor, y
  • La perspectiva valle-inclanesca (de alto), donde ve el autor a sus criaturas como seres inferiores al autor, con un punto de ironía (estas tres perspectivas se hallan en Los cuernos de don Friolera).
     Para terminar, el elemento más importante que da unidad a todas las obras de Valle-Inclán es su lenguaje.  Su estilo literario da unión a una diversidad lingüística sorprendente, que incorpora la metáfora, el argot o germanía (slang), americanismos, galicismos, el estilo pomposo de la alta burguesía, el gitanismo y sus propios neologismos.  Valle-Inclán logra dar unidad lingüística a todos estos elementos en un lenguage conciso, sonoro y cómico.


LUCES DE BOHEMIA de Ramón del Valle-Inclán
1ª. ed. 31 de junio-23 de octubre, 1920; 2ª. ed. 1924

Fotos de la producción de Luces de Bohemia de Teatro Caín, bajo la dirección de Álvaro Moreno

Obra distribuida en 15 escenas (láminas, ilustraciones o vignettes) y constituida de 54 personajes dramáticos, un niño muerto, turbas y varios animales, entre ellos un ratón, un gato, un perro y un loro.

Primera (1ª.) escena:  Guardillón (attic room) de Máximo Estrella, (deformación del poeta Alejandro Sawa [Sevilla, 1862-Madrid, 1909]) poeta ciego andaluz;  Madama Collet, su esposa pelirroja francesa; y Claudinita, su hija.  Max acaba de ser despedido por el «Buey Apis» (Sacred Ox > Big Shot), jefe de redacción de un periódico, y, desesperado, Max Estrella sugiere el suicidio colectivo de la familia.  Entra don Latino de Hispalis, viejo asmático amigo de Max, que acaba de vender unos libros de Max por tres pesetas.  Enojado, Max Estrella decide visitar al librero (Zaratustra) para quejarse del trato.  Es acompañado por don Latino mientras Claudinita le advierte a Madama Collet, su madre, que acabarán los dos en la Taberna de Pica Lagartos.


Madama Collet, Claudinita, Max Estrella 
y don Latino de Hispalis

Segunda (2ª.) escena: Escena añadida en 1924.  La cueva (den) del librero Zaratustra.  Entra Max, quejándose del trato hecho con su «intendente» (administrator), pero Zaratustra le indica que ha llegado tarde, pues acaba de vender el atadijo (bundle) de libros por 2 perras (20 céntimos).  Entra el autor don Peregrino Gay, quien acaba de regresar de Inglaterra.  Este último personaje alaba el sentimiento religioso de los ingleses (el rito anglicano) y el hecho de que los ingleses se duchen frecuentemente.  Max Estrella trata de imaginarse cómo sería España si tuviera el clima de Inglaterra y llega a la conclusión que los españoles serían más tristes, menos coléricos y acaso más tontos.


El librero Zaratustra

Tercera (3ª.) escena:  La Taberna de Venancio, apodado «Pica Lagartos».  Al ver a Max, Enriqueta la Pisa Bien, «la Marquesa del Tango», le pide el billete de lotería (el «décimo», porque eso ha costado) que su madre le ha fiado.  Max se lo da, aunque don Latino se da cuenta de que saldrá premiado por ser número capicúa (5775).  Entra «Manolo», llamado «El Rey de Portugal», acompañante de Enriqueta la Pisa Bien, y ésta se escapa con el décimo de la lotería que le ha entregado Max.  Pica Lagartos y Max hablan de políticos conservadores y entra sangrando el Chico de la Taberna, anunciando que los ciudadanos burgueses de Acción Ciudadana, en compañía de la policía, están maltratando a los obreros huelguistas en las calles.  Pica Lagartos cierra la taberna y Max decide ir en busca de Enriqueta la Pisa Bien para quitarle el décimo premiado de la lotería.


Manolo, «El Rey de Portugal» y Enriqueta la Pisa Bien

Cuarta (4ª.) escena:  Una calle enarenada frente a una buñolería (donut shop) frecuentada por poetas jóvenes modernistas.  Max Estrella y don Latino de Hispalis se encuentran en la calle con la golfa (bum) Enriqueta la Pisa Bien, que está vendiendo el décimo de la lotería que le había dado Máximo.  Max le pide de vuelta el décimo.  Enriqueta se lo devuelve a cambio de tres «beatas» (pesetas).  Salen de la buñolería los jóvenes modernistas (Rafael de los Vélez, Dorio de Gadex, Lucio Vero, Mínguez, Gálvez, Clarinito y Pérez).  Después de saludar a Max, los modernistas sugieren que nombrarán a Max para el sillón que Benito Pérez Galdós («Don Benito el Garbancero») ha dejado vacante en la Real Academia de la Lengua Española.  Después se burlan de Antonio Maura (1853-1925), político conservador y jefe de Gobierno en 1818, 1819 y 1921.  Llega el capitán Pitito y se llevan a Max a la cárcel por ebrio y armar escándalo público. Los modernistas deciden acompañar al poeta Max, quien, todavía ebrio, empieza a amenazar de muerte a Maura, el «Gran Fariseo» (Maura era converso [judío cristiano]) y a los de su «execrable parentela».  Un guardia sugiere que tendrán que apalear a Max para callarlo.


El modernista Dorio de Gadex

Quinta (5ª.) escena:  Zaguán (hall) en el Ministerio de la Gobernación (Police Headquarters).   Max Estrella entra diciendo que ha detenido una pareja de guardias ebrios. Don Serafín, el inspector de la comisaría, pregunta por qué han detenido a Max Extrella.  Los guardias responden que por borracho y alborotador.  Max insulta a don Serafín, llamándolo por su apodo («Serafín el bonito» [the dandy]) y «gusano burocrático».  Don Serafín, enojado, encarcela a Max en la celda número 2, mientras Max llama «asesinos» a los guardias y los modernistas comparan el Ministerio de la Gobernación con la Inquisición.


Serafín el bonito

Sexta (6ª.) escena:  Escena añadida en 1924.  El calabozo (dungeon).  En la celda número 2, Max Estrella se encuentra con un anarquista catalán (de Barcelona).  Hablan de política.  El preso anarquista sugiere que hay que eliminar la riqueza, como en Rusia (la revolución bolchevique había elimando la monarquía en Rusia en 1917) para así acabar con el «judaísmo barcelonés».  Las sugerencias políticas de Max Estrella son más nihilistas: él sugiere la guillotina eléctrica en la Puerta del Sol (en centro de Madrid) para eliminar a los ricos, la exterminación del proletariado, la destrucción total de Barcelona («Barcelona semita sea destruida») y una «bomba que destripe el terrón maldito de España».   El anarquista catalán, llamado Mateo (en honor a Mateo Morral [1880-1906], quien atentó contra los reyes de España el 31 de mayo de 1906), fue puesto en prisión por negarse a ir a la guerra (era un pacifista) y por armar un escándalo político en la fábrica donde trabajaba.  Fue denunciado por su patrón.  Al final de esta escena, el llavero saca a Mateo de la cárcel para llevárselo «de recreo» (o sea, para fusilarlo).  Max llora de impotencia y rabia.


Max Estrella y Mateo el Preso

Séptima (7ª.) escena: La Redacción del periódico El Popular.  Don Latino de Hispalis y los jóvenes modernistas desean hablar con don Filiberto, el director de redacción del periódico, para tratar de poner en libertad a Max (llamado también «Mala») Estrella, quien ha sido detenido y maltratado en el Ministerio de la Gobernación, por ebrio y escandaloso.  Los modernistas sugieren que en España siguen reinando Carlos II (cuyo apodo en la historia fue «el Hechizado») y Felipe II (el «Rey Prudente» tenía la reputación de ser algo intransigente).  Don Filiberto se entusiasma con la pasión juvenil de los modernistas y, después de discutir teosofía [theosophy]con don Latino, infanticidio y política antimonárquica (contra S. M. Alfonso XIII) y antiburguesa (contra Maura) con el «neomalthusiano» [de Thomas Robert Malthus, economista inglés <1766-1834>] Dorio de Gadex y la falta de patriotismo de los modernistas, llama al Ministerio de la Gobernación para poner en libertad a Máximo Estrella.


Los jóvenes modernistas

Octava (8ª.) escena: Secretaría Particular de su Excelencia.  Después de ser puesto en libertad, Max Estrella intenta hablar con el Señor Ministro de la Gobernación («Paco») para quejarse del mal trato y los golpes que ha recibido en el calabozo. Don Diego del CorralDieguito García»), Secretario del Ministro, no puede evitar que Max hable con don Paco.  Aparentemente son amigos Paco y Max.  Max explica que ha quedado ciego por un regalo de Venus («sífilis») y don Paco, tras recordar que una vez anduvo enamorado de la hermana de Max, quien ingresó en un convento, le ofrece un sueldo mientras él sea ministro.  Max acepta.  Don Latino, el «perro» de Max, viene por él.  Dieguito le sugiere al Ministro que el sueldo de Max podrá ser tomado de los fondos de Policía (corrupción).  El ministro encuentra irónica la idea: «¡Eironeia!».


El Ministro & Dieguito

Novena (9ª.) escena: Un café (el Café Colón) con espejos, piano y violín.  Entran Max Estrella y don Latino de Hispalis en el Café Colón y se encuentran con Rubén Darío, el vate (poeta [bard]) de Nicaragua (1867-1916).  Beben ajenjo (absinthe [licor de anís / Fr. Pernod]), bebida alcohólica fuerte, típica de los escritores así llamados «decadentes»).  Max Estrella y Rubén Darío hablan de la vida, de la muerte, de la teosofía (Madame Blavatsky [1831-1891]), de las postrimerías (el cielo, el infierno), y del Marqués de Bradomín, viejo pecador que está a punto de morir.  Los dos recuerdan París.  La escena termina con un desfile con su pata coja de Paul Verlaine, poeta simbolista francés (1844-1896).


Don Latino de Hispalis, Max Estrella y Rubén Darío

Décima (10ª.) escena: Paseo con jardines.  Max Estrella y don Latino caminan por el paseo y se encuentran con dos prostitutas, una Vieja Pintada, quien termina con don Latino, y La Lunares, joven de 15 años parecida a Pastora Imperio (1885-1979), famosa bailarina gitana de la época.  Don Latino y la Vieja Pintada insultan a Maura.  Max Estrella le dice a La Lunares que se gana honradamente la vida guardando su «pan de higos» (her 'goodies') para el gachó (Gypsy for guy) que la sepa camelar (woo).


La Lunares & Max Estrella
 
 


Pastora Imperio (Sevilla: 1889-1979)



Undécima (11ª.) escena: escena añadida en 1924: Una calle del Madrid austriaco (la sección entre la Plaza Mayor y la estación de trenes de Atocha, construida en el siglo XVII por los Austrias [los Habsburgo]).  Max Estrella se fija que hay cristales rotos en la calle (ha habido una manifestación obrera).  Se oyen los gritos de Romualda, quien trae en los brazos un niño muerto que ha recibido una bala en la sien.  El tabernero indica que fue una desgracia necesaria para el establecimiento del orden público y que en efecto hubo toques de ordenanza (alarm warnings). Un albañil (plumber) critica la violencia por defender el comercio que chupa la sangre a los pobres (crítica anti-burguesa).  El empeñista (pawnbroker) se fastidia por este comentario: «El comercio honrado no chupa la sangre de nadie».  Max quiere salirse de este círculo dantesco infernal.  Como golpe de gracia, un sereno (watchman) le dice al empeñista que acaban de matar a un preso que intentó fugarse (probablemente el anarquista catalán, muerto por la «ley de fugas», ley de 1921 que permite que se le dispare [a muerte] a un preso si intenta fugarse de la justicia).  Max ve la vida como una trágica mojiganga [farce] e invita a don Latino a acompañerlo a «un vuelo» del Vidaducto (en la calle Segovia de Madrid), o sea, a suicidarse lanzándose del viaducto (el viaducto era lugar preferido de suicidas, como el famoso puente de San Francisco [Bay Bridge] hoy día).


Romualda y el Niño Muerto


Pablo Picasso, Guernica (1937) [Museo Reina Sofía, Madrid]


Viaducto de Madrid, calle Segovia

Duodécima (12ª.) escena: Rinconada en costanilla (a corner in a very steep road).  Iglesia al fondo.  Max y don Latino se sientan en un quicio (jamb) de una puerta.  Está amaneciendo.  Max tiene frío pero don Latino no le presta su chaqueta («carrik» [pea jacket]).  Al decir don Latino que la vida es una tragedia Max responde que no, que es un esperpento («un absurdo»).  Max deshumaniza a don Latino, pensando que es un buey, pues siente el aliento caliente de don Latino.  Critica a los poetas ultraístas (cubistas y dadaístas de 1918) de farsantes y dice que el esperpento lo invitó Goya y que los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos del Callejón del Gato dan el esperpento (o sea, una absurda deformación): «España es una deformación grotesca de la civilización europea».  Llegan a la casa de Max y Madama Collet pero Max se está aburriendo y después de darle las buenas noches a don Latino se muere tras ver una apoteosis de París y el entierro de Víctor Hugo (1808-1885), famoso novelista romántico francés.  Don Latino le quita la cartera, para que no se la robe nadie, y huye. La portera y la vecina encuentran el cuerpo muerto de Max Estrella y se disponen a avisar a Madama Collet, esposa de Max.


Max Estrella & don Latino

Decimatercia (13ª.) escena: Velorio en un sotabanco (wake in an attic).  En el velorio están Madama Collet, su hija Claudinita y los modernistas Dorio de Gadex, Clarinito y Pérez.  Llega don Latino de Hispalis, ebrio, honrando al «primer poeta de España», a la viuda ilustre de tal poeta (Madama Collet) y a Claudinita, quien lo insulta, hecho que no impide que don Latino piense que la joven esté enamorada de él: «¡Yo sé que tú me quieres!».  Don Latino y Dorio de Gadex se ponen a beber vino tinto («tintas») y llega al velorio Basilio Soulinake (el anarquista ruso Ernesto Bark), tratando de convencer a Madama Collet y su hija que Max Estrella no ha muerto (a pesar de que el difunto ya ha empezado a apestar) sino que sufre de catalepsia.  Le ponen un cerillo encendido en el dedo pulgar para ver si revive (no revive). El cochero de la carroza funeraria tiene prisa por llevarse el difunto porque tiene que recoger otro muerto esa tarde (escena macabra).


Claudinita, Madama Collett, Basilio Soulinake y la Portera 
ante el ataúd de Max Estrella

Decimacuarta (14ª.) escena: Un patio en el cementerio del Este.  Mientras dos sepultureros hablan sobre el «Pollo del Arete» (the young man with the earring) que disfruta a la viuda de un concejal, llegan al entierro de Max Estrella el Marqués de Bradomín (figura literaria de las Sonatas de Valle-Inclán, quien describe a su personaje donjuanesco como «feo, católico y sentimental») y el poeta nicaragüense Rubén Darío (fundador del Modernismo hispanoamericano).  El Marqués de Bradomín está consciente de que pronto morirá, y desea hacerlo como cristiano, a pesar de sus pecados.  Rubén Darío teme la muerte.  Al ver a los sepultureros piensan que son los payasos en el entierro de Ofelia en Hamlet 5.1 de Shakespeare (hacen literatura de la vida).  Aunque eso sí, Ofelia (quien se suicida por el desdén de Hamlet) y Hamlet, si hubieran sido personajes españoles, habrían sido una pareja regocijada y no trágica.


El marqués de Bradomín & Rubén Darío

Última (15ª. [decimoquinta]) escena: La Taberna de Pica Lagartos.  Don Latino bebe con el «Pollo del Pay-Pay» (straw hat [expresión filipina]).  Ha ganado 10.000 pesetas con el décimo premiado de la lotería.  La Pisa Bien empieza a seducir a don Latino y el Poyo del Pay-Pay deja ver que está «empalmado» (trae cuchillo).  Pacona, periodista, anuncia que El Heraldo (periódico) ha anunciado la muerte misteriosa de dos señoras en la calle de Bastardillos por el tufo de un brasero (the fumes of a fireplace).  Aparentemente Madama Collet y Claudinita se han suicidado al haber muerto Max Estrella sin dejarles nada de dinero.  Pica Lagartos le advierte a don Latino que él, como amigo de Max, podría haberlas ayudado.  Don Latino indica que el mundo es un esperpento mientras Zacarías, el borracho, declara; «¡Cráneo previlegiado!».

La Pisa Bien, don Latino & Pica Lagartos


Grand Guignol
by Thomas Ballhausen

     The Grand Guignol was founded as a single theatre, which was opened in 1895. Under the management of Max Maurey the house was renamed into “Le Grand-Guignol”, referring with its name to the badly behaving, violent Mr. Punch-variation “Guignol”. The name of the theatre became significant for the style of the presented plays: 

     „Its supporters called the Grand Guignol play the most Aristotelian of twentieth-century dramatic forms since it was passionately devoted to the purgation of fear and pity. […]  Here was a theatre genre that was predicated on the stimulation of the rawest and most adolescent of human interactions and desires: incest and patricide; blood lust; sexual anxiety and conflict; morbid fascination with bodily mutilation and death, loathing of authority; fear of insanity; and overall disgust for the human condition and its imperfect institutions“ (Gordon 1997: 2).

Very soon the “Grand-Guignol“ meant not only the theatre (which was closed after World War II), it became a label for a certain mode of representation, which is still valid today (Petermann 1987: 225).

















 


Theatre of Cruelty 
(Encyclopædia Britannica Article)

     Project for an experimental theatre that was proposed by the French poet, actor, and theorist Antonin Artaud and that became a major influence on avant-garde 20th-century theatre. Artaud, influenced by Symbolism and Surrealism, along with Roger Vitrac and Robert Aron founded the Théâtre Alfred Jarry in 1926; they presented four programs before disbanding in 1929. Between 1931 and 1936 Artaud formulated a theory for what he called a Theatre of Cruelty in a series of essays published in the Nouvelle Revue Française and collected in 1938 as Le Théâtre et son double (The Theatre and Its Double). 
     Artaud believed that civilization had turned man into a sick and repressed creature and that the true function of the theatre was to rid man of these repressions and liberate his instinctual energy. He proposed removing the barrier of the stage between performers and audience and producing mythic spectacles that would include verbal incantations, groans and screams, pulsating lighting effects, and oversized stage puppets and props. Although only one of Artaud's plays, Les Cenci (1935), based on works by Percy Bysshe Shelley and Stendhal, was ever produced to illustrate these theories, his ideas influenced the productions of Jean-Louis Barrault, Jerzy Grotowski, Jean Vilar, and The Living Theatre as well as the work of such playwrights as Arthur Adamov, Jean Genet, and Jacques Audiberti.

Movimientos literarios y artísticos del siglo XX:

MODERNISMO (1890-1940) 
[movimientos de vanguardia: 1910-1925]: 
POSMODERNISMO (1940-2000)
POSPOSMODERNISMO (2001- )

GENERACIÓN DEL 98:
DOS PROMOCIONES:
VIEJOS:

 

 

JÓVENES:
  • Pío Baroja y Nessi (1872-1956)
  • José Martínez Ruiz («Azorín») [1873-1967]
  • Ramiro de Maeztu (1874-1936)
  • Antonio Machado (1875-1939)
MODERNISMO:


  • Jacinto Benavente (1866-1954)
  • Ramón del Valle-Inclán (1866-1936)
  • Juan Ramón Jiménez (1881-1958)
  • Manuel Machado (1874-1947)

 
 

 

     El Modernismo (José Martí [Cuba, 1853-1895], Rubén Darío [Nicaragua, 1867-1916], Oscar Wilde, los parnasianos franceses [Paul Verlaine]) es un movimiento literario hispanoamericano que empieza en 1880, primero en Cuba y después en Nicaragua, y primero en prosa y después en poesía.  Los modernistas son más cosmopolistas y esteticistas.  Valoran el arte como supremo absoluto y la belleza como máximo ideal.  Se logra esto por el arte, sobre todo por la poesía.  Exaltan la imaginación y la creacción literaria, incluso la fantasía (están en contra del realismo objetivo y pesimista del Realismo), así como los valores de la alta burguesía del siglo XIX. Es por lo tanto un movimiento elitista (i.e., aristocrático) y antivulgar (antiburgués medio o bajo y antiproletario).  Antonio Machado, Juan Ramón Jimenez, y Valle-Inclán tuvieron un momento modernista que después rechazaron; Manuel Machado siguió siendo modernista.  Fue inicialmente arte escapista, exótico, simbólico, voluptuoso, musical y colorista [sinestesia] (cf.Azul [1888] de Rubén Darío).  Tuvo después un aspecto social, moral, religioso y panhispánico (cf. Cantos de vida y esperanza [1905] de Rubén Darío).

José Martí

Rubén Darío

Oscar Wilde

Paul Verlaine
  • MODERNISMO:  Es un movimiento literario que empieza en Hispanoamérica en 1880.  Se pierde el sentido político de una época anterior.  Formas poéticas antiguas como el romance octosilábico (verso asonante de 8 sílabas), el endecasílabo (verso consonante de 11 sílabas), el tetrasílabo (verso de 4 sílabas), el alejandrino monorrimo (verso consonante de 14 sílabas), y aun el hexámetro griego (de 6 sílabas) fueron resucitadas en esta época.  Se enfatiza el uso de la metáfora, la musicalidad, la cinestesia y el galicismo.  Hay una gran simplificación de la sintaxis.  El lenguage se hizo más armonioso. El Modernismo incorporó el Romanticismo, el Simbolismo y el Parnasianismo; los temas orientales, clásicos y nórdicos; la literatura peninsular de antes del Siglo de Oro, así como la del Siglo de Oro (siglos XVI [Renacimiento] y XVII [Barroco]) y la literatura de los EEUU.  Incorpora también las tradiciones de los pueblos americanos y da una amplia visión cosmopolita. Los que iniciaron el Modernismo fueron Gutiérrez Najera (de Méjico), José Asunción Silva (de Colombia), Julián del Casal y Jose Martí (de Cuba).  El más famoso de los Modernistas es, por supuesto, Rubén Darío (de Nicaragua), cuya influencia llegó a España y afectó a Valle-Inclán.  Se supone que los modernistas escribieron sobre temas artificiosos y bellos sin acordarse de una ralidad económica y política desastrosa.
MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA (1910-1925):
  • Parnasianismo:  Un movimiento estético francés de la segunda mitad del siglo XIX (ca. 1860) creado como reacción contra el Romanticismo de Víctor Hugo, el subjetivismo y el socialismo artístico.  Los fundadores de este movimiento fueron Théophile Gautier (1811-1872) y Leconte de Lisle (1818-1894).  El arte es un fin en sí mismo, no un medio para justificar otro fin (e.g., el cambio social).  Es objetivo y el autor se elimina de su obra (o sea, noe es subjetivo).  El arte es un tipo de religión para los paransianos, cuyo lema era: L'art pour l'art.
  • Simbolismo: Un movimineto inventado por Jean Moréas en 1886 y que sostiene que el Romanticismo, el Naturalismo y el Parnasianismo han muerto (cf. Baudelaire, Mallarmé, Verlaine, Rimbaud).  El Simbolismo evoca objetos para crear un ambiente.  Es sugestivo y oblicuo.  El Simbolismo tiene una tendencia muy privada, personal y transcendental.  Sus imágenes son símbolos que representan un mundo general e ideal (el mundo real es sólo una sombra de éste).  Este «otro mundo» se alcanza sólo por medio de la poesía; así que el poeta es un profeta que ve a través del mundo real al mundo ideal de formas y esencias ideales.  El verso es musical.  Se enfatiza el verso suelto (blank verse) y poemas «en prosa».
  • Dadaísmo: Dada viene de la palabra francesa para hobby horse.  Es un movimiento nihilista empezado en Zurich (Suiza) ca. 1916 por el rumano Tristan Tzara.  El término significaba todo y nada a la vez.  Se enfatizaba una libertad absoluta, sin relgas, ideales o tradiciones.  El movimiento se hizo popular en París después de la Primera Guerra Mundial (1914-1918).  Su plan artístico era montar recortes (collage) de objetos y palabras sin relación alguna.  Su palabra clave era: «nada».  Después de 1921, el Dadaísmo se convirtió en Surrealismo.
  • Surrealismo:  Un movimineto artístico francés de 1920 que se desarrolló del Dadaísmo.  El arte surrealista trata de captar como funciona el inconciente.  Es una arte no-lógico.  La mente debe liberarse de la razón y la lógica del mundo conciente.  Este movimineto fue influenciado por Sigmund Freud.  Se desarrolló también la escritura automática (cf. James Joyce) y el discurso paranoico (stream of consciousness).  Guillaume Apollinaire y André Breton fueron figuras clasves en este movimiento.  Se interesaban en los efectos de los sueños y las alucinaciones.  Trataba este arte no-realista captar nuevos conocimientos.  Influenció el arte (cf. Chirico, Max Ernesst, Pablo Picasso, Salvador Dalí), el cine (Luis Buñuel, Jean Cocteau) y la literatura (Antonin Artaud, Eugène Ionesco, Jean Genet, Samuel Beckett, William Burroughs, Alain Robbe-Grillet). 
  • Expressionismo:  Un movimiento alemán de 1920.  El arte expresionista trata de dar una visión muy personalizada del mundo, no una representación fidedigna del mundo externo.  Reaccionan contra el Realismo.  Tratan de captar realidades sicológicas como Franz Kafka.
  • Absurdo:  Ver existentialismo ateo, Ultraismo, etc.
  • Cubismo:  Ver Futurismo.  Poesía pura, etc.  En arte, se enfatizan las formas  geométricas o puras (o sea, no realistas).  Picasso.
  • Decadencia:  Ver Simbolismo.  Este movimiento valora la autonomía completa del arte, enfatizando lo sensacionalista, lo melodramático, lo bizarro, lo artificial, el arte por el arte, y la posición superior del poeta frente a la sociedad burguesa. Se valora también la experiencia personal, el autoanálisis, lo perverso, lo exótico.  Hay cierta preocupación por las ruinas, lo triste, lo desesperante, lo morboso, lo ostentoso.  Cf. The Picture of Dorian Gray de Oscar Wilde o las litografías de Audrey Beardsley en la Inglaterra victoriana de los «Yellow Nineties».
Arte europeo simbólico decadente

«Ophelia», de John Everett Millais (RU: 1829-1896)
 


«Orphée» («Orfeo» ["Orpheus"]) 
de Jean Delville (Bélgica: 1867-1953)

«Le Torrent», de Léon Fréderic (Bélgica: 1856-1940)


«La esfinge» (The Sphynx) de Jan Toorop (Holanda: 1858-1928)

"Night with Her Train of Stars and Gift of Sleep," 
de Edward Robert Hugues (RU: 1851-1914)

  • Existencialismo:  El término deriva del filósofo dinamarqués Søren Kierkegaard (1813-1855), quien influenció a filósofos como a Miguel de Unamuno, Martin Buber y Karl Jaspers.  Friedrich Nietaxche después influenciará a los existencialistas ateos como Martin Heidegger, Albert Camus, Simone de Beauvoir y Jean-Paul Sartre.  Los existencialistas no ateos encuentran paz y tranquilidad en la creencia en Dios (aunque no tengan fe).  Para los ateos, la existencia es anterior a la esencia y uno tiene que escoger lo que uno quiera ser.  Uno está obligado a hacerse a sí mismo.  Uno puede escaparse del absurdo de la vida, según Sartre, por medio de acción social.  Cf. Ethics of Ambiguity de Simone de Beauvoir.
  • Futurismo: Movimiento revolucionario del italiano Filippo Marinetti (1876-1944), quien escribió su  Manifiesto del futurismo (París, 1909).  Su programa consistía en destruir todo el arte burgués tradicional.  Se elogia lo moderno, lo mecánico, lo rápido, así como la guerra y el patriotismo.  Se convierte en arte fascista en la Europa occidental y en arte socialista en la Unión Soviética.

Surrealismo (Dalí)

Cubismo (Picasso)

Futurismo

  • Ultraismo:  De 1922.  Algo similar al Absurdo (lengua privada que va más allá de lo socialmente comprensible).  Se eliminan todos los elementos superfluos que no sean estrictamente líricos.  Énfasis en la imagen y la metáfora.  Sin sentimentalismo. Jorge Luis Borges (Argentina). 
  • Generación del 27.  Tercentenario de Luis de Góngora (el gran poeta del Barroco).  Poesía pura y lírica.  Juan Ramón Jiménez (1920-1930).  Poesía concentrada.  Se elimina la decoración superflua del poema, que se considera impura.  Más intelectual, menos sensual, impresionista y romántica.  Se trata de lograr la perfección poética.  Neo-gongorismo.  Pero Lorca y Alberti escriben una poesía popular estilizada.  Se usa de nuevo el romance (verso asonante de 8 sílabas).  Algo de Surrealismo, pero no se logró en España la escritura automática de André Breton.  Guillén y Salinas, más intelectuales y disciplinados. 
  • Creacionismo: Vicente Huidobro (Chile, 1893-1948).  De 1916.  Independencia de la realidad y la naturaleza.  Metáforas insólitas, imágenes yuxtapuestas, arte no realista.  Para crear nuevas realidades en poesía se tenía que crear el objeto en lugar de imitarlo. 
  • Stream of Consciousness («discurso paranoico» en español):  Término inventado por el sicólogo William James en Principles of Psychology (1890).  En prosa, se refiere a los pensamientos y sentimientos que fluyen libremente por la mente.  Se convierten en monólogos interiores en las novelas de James Joyce como Ulysses (1922) o The Sound of the Fury (1931) de William Faulkner.
  • Tremendismo:  Característica de la ficción española después de 1940.  Se enfatiza la violencia y el terror, las tendencias violentas de la sociedad moderna y los daños causados por la preparación social o religiosas de tales sociedades. Cf.La familia de Pascual Duarte de Camilo José Cela (1942) o Nada (1944) de Carmen Laforet.   El tremendismo es en efecto una extensión del Naturalismo pero con una dimensión sicológica.  En cine se convierte en Neo-realismo (cf. Las Hurdes de Luis Buñuel).  En la Unión Soviética en Realismo Social (pero con un fin feliz).  En Latinoamérica en Realismo Mágico (combinación de Realismo y Surrealismo).

Tremendismo

Neo-Realismo

Realismo Social

Realismo Mágico

POSMODERNISMO:

El término Posmodernismo se refiere a cmbios, desarrollos y tendencias que han ocurrido en literatura, arte, música, arquitectura y filosofía entre 1950 y 1950.  En la literatura, estas tendencias son hacia lo no-tradicional y hacia lo no-autoritario.  Hay muchos juegos y parodias, experimentos, relativismo.  Las novelas carecen de trama y consisten de episodios difusos y un mínimo desarrollo del personaje.  Hay muchas repeticiones e inumerables experimentos con el vocabulario, la puntuación, la sintaxis, el tiempo, y finales o principios alternativos.  Hay cierta falta de seriedad y cierto desdén por la obra bien hecha y con cierta unidad.  Hay cierta oposición a los discursos dominantes de la sociedad.  Hay complejas relaciones entre el arte y su contexto social.  Hay gran hostilidad hacia lo eterno, lo metafísico, lo grandioso.  El arte refleja las realidades materiales del día.  Se valora lo heterogéneo, lo diferente, lo no-occidental, lo popular. 

  • Pop: Arte espontáneo de 1960.  Multiplicación del mismo objeto (Andy Warhol), generalmente insignificante, como la lata de una sopa de tomate Campbell. 
  • Kitch: Del alemán kitschen (mezcla), término peyorativo para referirse a un objeto de arte de escaso valor para satisfacer el gusto popualr.
  • Punk: Arte agresivo y proletario contra la cultura dominante (generalmente del Reino Unido).

Pop

Kitsch

Punk


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3 October 2011