RAMÓN MARÍA
DEL VALLE-INCLÁN
(1866-1936)
Ramón María del Valle y Peña
nació en Villanueva de Arosa, Pontevedra (Galicia), España,
eL 28 de octubre de 1866 y murió en Santiago de Compostela (Galicia)
el 5 de enero de 1936. Estudió derecho (law) en la
Universidad de Compostela entre 1886 y 1889. En 1892, a los 20 años
de edad, se trasladó a México, aunque regresó un poco
después (en 1893) a España. Recorrió gran parte de
Sudamérica y vivió en Franncia entre 1914 y 1918. Pertenece
Valle-Inclán a un grupo literario esteticista llamado Modernismo.
Valora pues elementos pictóricos y musicales en su prosa.
Con Valle-Inclán pasamos del realismo
anterior a la deformación de la realidad histórica.
En su juventud, Valle-Inclán fue conservador; no obstante, fue radical
en su vejez. En un primer momento publicó sus Sonatas
(Sonata de otoño [1902], Sonata de estío [1903],
Sonata
de primavera [1904], y Sonata de invierno [1905]), fantasías
exóticas escapistas modernistas sin preocupaciones políticas
o éticas, aunque recientemente se han visto como obras que en efecto
sugieren una crítica del materialismo, la hipocresía y la
vulgaridad de la burguesía. Estas obras son de gusto aristocrático
y de decadencia moral, política y social. El héroe
principal es el Marqués de Bradomín, cuya fe religiosa le
vale sólo para apreciar más su orgullo, sus sacrilegios,
su fornicación y su necrofilia. Hay en las
Sonatas
una cierta nostalgia por una época sin burguesía, donde sólo
había nobles y vasallos. En sus Comedias bárbaras
(Águila de blasón [1907], Romance de lobos
[1908] y Cara de plata [1922]), tenemos un patriarca gallego, Don
Juan Manuel Montenegro, un señor feudal bárbaro, arrogante,
violento y tirano, aunque también es mostrado como un animal vigoroso
lleno de valentía y generosidad. Sus hijos, empero, son egoístas
y traidores sin ninguna nobleza.
Optó Valle-Inclán una postura
carlista, o sea, defendía a un pretendiente monárquico tradicionalista.
También estuvo a punto de apoyar la causa alemana tradicional durante
la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Al último momento,
empero, se declaró anti-alemán (1915). Ya para 1920
cambia Valle-Inclán de tradicionalista a progresista. En una
entrevista en el periódico El Sol, del 3 de septiembre de
1920, menciona: «El Arte es un juego . . . No debemos hacer Arte
ahora, porque jugar en los tiempos que corren es inmoral, es una canallada.
Hay que lograr primero una justicia social». Es en ese entonces
cuando desarrolla su teoría del esperpento, cuya técnica
se explica en Luces de bohemia, obra dramática que apareció
entre julio y octubre de 1920 en el periódico España.
En la escena 12, Max Estrella, el protagonista de Luces de Bohemia,
declara que «España es una deformación grotesca de
la civilización europea» y por eso, «el sentido trágico
de la vida española sólo puede darse con una estética
sisstemáticamente deformada», una deformación similar
al reflejo de un espejo cóncavo en el Callejón del Gato en
Madrid. La distorsión produce el esperpento o deformación.
O sea, Valle-Inclán sugiere una técnica de deformación
para capturar una realidad que ya está deformada anteriormente.
La forma de lograr esta deformación es por medio de la deshumanización
del personaje. Lo convierte Valle-Inclán en animal, muñeco,
títere, sombra o máscara. Al aparecer sin vida, sin
realidad, nos da una interpretación más verdadera de cómo
es la vida en la realidad.
Valle-Inclán indica también que
la deformación debe ser sistemática aunque no se ha visto
esta sistematización totalizante en Luces de Bohemia.
Por ejemplo, se ha notado que el anarquista catalán y la madre del
bebé muerto no fueron deformados por Valle-Inclán, ni la
esposa ni la hija de Max Estrella. LLamó esperpentos Valle-Inclán
a las obras coleccionadas en Martes de Carnaval (1930): Los cuernos
de don Friolera (1921), Las galas del difunto (1926) y La
hija del capitán (1927). Su novela magistral, basada en
una realidad política deformada en Hispanoamérica, es Tirano
Banderas (1926).
Valle-Inclán critica amargamente en
sus obras la realidad española rural, metropolitana, plebeya, aristocrática,
contemporánea e histórica en forma brutal tremendista o por
medio del ridículo. Recientemente se ha pensado que en efecto
Valle-Inclán tenía ciertos principios político-sociales
revolucionarios. Pero su compromiso no va más allá
de una denuncia de la injusticia y la corrupción. Ve como
enemigos sociales a los reyes, aristócratas, curas, militares, la
policía, los políticos conservadores y la burguesía.
En una entrevista con Martínez Sierra,
publicada en el periódico ABC de Madrid el 7 de diciembre
de 1928, habla de las 3 posibles perspectivas como un autor ve a sus personajes:
-
La perspectiva homérica (de rodillas), donde son seres superhumanos.
-
La perspectiva de Shakespeare (de pie), donde se ve a los personajes como
si fueran de sangre y hueso, iguales al autor, y
-
La perspectiva valle-inclanesca (de alto), donde ve el autor a sus criaturas
como seres inferiores al autor, con un punto de ironía (estas tres
perspectivas se hallan en Los cuernos de don Friolera).
Para terminar, el elemento más importante
que da unidad a todas las obras de Valle-Inclán es su lenguaje.
Su estilo literario da unión a una diversidad lingüística
sorprendente, que incorpora la metáfora, el argot o germanía
(slang), americanismos, galicismos, el estilo pomposo de la alta
burguesía, el gitanismo y sus propios neologismos. Valle-Inclán
logra dar unidad lingüística a todos estos elementos en un
lenguage conciso, sonoro y cómico.
LUCES DE BOHEMIA
de Ramón del Valle-Inclán
1ª. ed. 31 de junio-23
de octubre, 1920; 2ª. ed. 1924
Fotos de la producción
de Luces de Bohemia de Teatro Caín, bajo la dirección
de Álvaro Moreno
Obra distribuida en 15 escenas (láminas, ilustraciones o vignettes)
y constituida de 54 personajes dramáticos, un niño muerto,
turbas y varios animales, entre ellos un ratón, un gato, un perro
y un loro.
Primera (1ª.) escena:
Guardillón (attic room) de Máximo
Estrella, (deformación del poeta Alejandro
Sawa [Sevilla, 1862-Madrid, 1909]) poeta ciego andaluz; Madama
Collet, su esposa pelirroja francesa; y Claudinita,
su hija. Max acaba de ser despedido por el «Buey Apis»
(“Sacred Ox” > “Big Shot”), jefe de redacción de un periódico,
y, desesperado, Max Estrella sugiere el suicidio colectivo de la familia.
Entra don Latino de Hispalis, viejo
asmático amigo de Max, que acaba de vender unos libros de Max por
tres pesetas. Enojado, Max Estrella decide visitar al librero (Zaratustra)
para quejarse del trato. Es acompañado por don Latino mientras
Claudinita le advierte a Madama Collet, su madre, que acabarán los
dos en la Taberna de Pica Lagartos.
Madama Collet, Claudinita, Max
Estrella
y don Latino de Hispalis
Segunda (2ª.) escena: Escena
añadida en 1924. La cueva
(den) del librero Zaratustra.
Entra Max, quejándose del trato hecho con su “intendente” (“administrator”),
pero Zaratustra le indica que ha llegado tarde, pues acaba de vender el
atadijo (“bundle”) de libros por 2 perras (20 céntimos). Entra
el autor don Peregrino Gay,
quien acaba de regresar de Inglaterra. Este último personaje
alaba el sentimiento religioso de los ingleses (el rito anglicano) y el
hecho de que los ingleses se duchen frecuentemente. Max Estrella
trata de imaginarse cómo sería España si tuviera el
clima de Inglaterra y llega a la conclusión que los españoles
serían más tristes, menos coléricos y acaso más
tontos.
El librero Zaratustra
Tercera (3ª.) escena: La
Taberna de Venancio, apodado «Pica
Lagartos». Al ver a Max, Enriqueta
la Pisa Bien, «la Marquesa del Tango», le pide el
billete de lotería (el «décimo», porque eso ha
costado) que su madre le ha fiado. Max se lo da, aunque don Latino
se da cuenta de que saldrá premiado por ser número capicúa
(5775). Entra «Manolo»,
llamado «El Rey de Portugal»,
acompañante de Enriqueta la Pisa Bien, y ésta se escapa con
el décimo de la lotería que le ha entregado Max. Pica
Lagartos y Max hablan de políticos conservadores y entra sangrando
el Chico de la Taberna, anunciando
que los ciudadanos burgueses de Acción Ciudadana, en compañía
de la policía, están maltratando a los obreros huelguistas
en las calles. Pica Lagartos cierra la taberna y Max decide ir en
busca de Enriqueta la Pisa Bien para quitarle el décimo premiado
de la lotería.
Manolo, «El Rey de Portugal»
y Enriqueta la Pisa Bien
Cuarta (4ª.) escena: Una
calle enarenada frente a una buñolería (donut shop)
frecuentada por poetas jóvenes modernistas.
Max Estrella y don Latino de Hispalis se encuentran en la calle con la
golfa (“bum”) Enriqueta la Pisa Bien, que está vendiendo el décimo
de la lotería que le había dado Máximo. Max
le pide de vuelta el décimo. Enriqueta se lo devuelve a cambio
de tres «beatas» (pesetas). Salen de la buñolería
los jóvenes modernistas (Rafael de los
Vélez, Dorio de Gadex, Lucio Vero, Mínguez, Gálvez,
Clarinito y Pérez). Después de saludar a
Max, los modernistas sugieren que nombrarán a Max para el sillón
que Benito
Pérez Galdós («Don Benito el Garbancero»)
ha dejado vacante en la Real
Academia de la Lengua Española. Después se
burlan de Antonio
Maura (1853-1925), político conservador y jefe de Gobierno
en 1818, 1819 y 1921. Llega el capitán
Pitito y se llevan a Max a la cárcel por ebrio y armar
escándalo público. Los modernistas deciden acompañar
al poeta Max, quien, todavía ebrio, empieza a amenazar de muerte
a Maura, el «Gran Fariseo» (Maura era converso o judío
cristiano) y a los de su «execrable parentela». Un guardia
sugiere que tendrán que apalear a Max para callarlo.
El modernista Dorio de Gadex
Quinta (5ª.) escena: Zaguán
(“hall”) en el Ministerio de la Gobernación (“Police Headquarters”).
Max Estrella entra diciendo que ha detenido una pareja de guardias ebrios.
Don
Serafín, el inspector de la comisaría, pregunta
por qué han detenido a Max Extrella. Los guardias responden
que por borracho y alborotador. Max insulta a don Serafín,
llamándolo por su apodo («Serafín
el bonito» [«the dandy»]) y «gusano
burocrático». Don Serafín, enojado, encarcela
a Max en la celda número 2, mientras Max llama «asesinos»
a los guardias y los modernistas comparan el Ministerio de la Gobernación
con la Inquisición.
Serafín el bonito
Sexta (6ª.) escena: Escena
añadida en 1924. El calabozo
(“dungeon”). En la celda número 2, Max Estrella se encuentra
con un anarquista catalán (de Barcelona). Hablan de política.
El preso anarquista sugiere que hay que eliminar la riqueza, como en Rusia
(la revolución bolchevique había elimando la monarquía
en Rusia en 1917) para así acabar con el «judaísmo
barcelonés». Las sugerencias políticas de Max
Estrella son más nihilistas: él sugiere la guillotina
eléctrica en la Puerta
del Sol (en centro de Madrid) para eliminar a los ricos, la exterminación
del proletariado, la destrucción total de Barcelona («Barcelona
semita sea destruida») y una «bomba que destripe el terrón
maldito de España». El anarquista catalán,
llamado Mateo
(en honor a Mateo
Morral [1880-1906], quien atentó contra los reyes de España
el 31 de mayo de 1906), fue puesto en prisión por negarse a ir a
la guerra (era un pacifista) y por armar un escándalo político
en la fábrica donde trabajaba. Fue denunciado por su patrón.
Al final de esta escena, el llavero saca a Mateo de la cárcel para
llevárselo «de recreo» (o sea, para fusilarlo).
Max llora de impotencia y rabia.
Max Estrella y Mateo el Preso
Séptima (7ª.) escena: La
Redacción del periódico
El Popular. Don Latino
de Hispalis y los jóvenes modernistas desean hablar con don
Filiberto, el director de redacción del periódico,
para tratar de poner en libertad a Max (llamado también «Mala»)
Estrella, quien ha sido detenido y maltratado en el Ministerio de la Gobernación,
por ebrio y escandaloso. Los modernistas sugieren que en España
siguen reinando Carlos
II (cuyo apodo en la historia fue «el Hechizado») y
Felipe
II (el «Rey Prudente» tenía la reputación
de ser algo intransigente). Don Filiberto se entusiasma con la pasión
juvenil de los modernistas y, después de discutir teosofía
[theosophy]con
don Latino, infanticidio y política antimonárquica (contra
S. M. Alfonso
XIII) y antiburguesa (contra Maura) con el «neomalthusiano»
[de Thomas Robert Malthus,
economista inglés <1766-1834>] Dorio de Gadex y la falta de patriotismo
de los modernistas, llama al Ministerio de la Gobernación para poner
en libertad a Máximo Estrella.
Los jóvenes modernistas
Octava (8ª.) escena: Secretaría
Particular de su Excelencia. Después de ser puesto en libertad,
Max Estrella intenta hablar con el Señor Ministro de la Gobernación
(«Paco») para quejarse
del mal trato y los golpes que ha recibido en el calabozo. Don
Diego del Corral («Dieguito García»),
Secretario del Ministro, no puede evitar que Max hable con don Paco.
Aparentemente son amigos Paco y Max. Max explica que ha quedado ciego
por un regalo de Venus («sífilis») y don Paco, tras
recordar que una vez anduvo enamorado de la hermana de Max, quien ingresó
en un convento, le ofrece un sueldo mientras él sea ministro.
Max acepta. Don Latino, el «perro» de Max, viene por
él. Dieguito le sugiere al Ministro que el sueldo de Max podrá
ser tomado de los fondos de Policía (corrupción). El
ministro encuentra irónica la idea: «¡Eironeia!».
El Ministro & Dieguito
Novena (9ª.) escena: Un café
(el Café Colón) con espejos, piano y violín.
Entran Max Estrella y don Latino de Hispalis en el Café Colón
y se encuentran con Rubén
Darío, el vate (poeta [Eng. “Bard”]) de Nicaragua
(1867-1916). Beben ajenjo
(absinthe [licor
de anís / Fr. Pernod]), bebida alcohólica fuerte, típica
de los escritores así llamados «decadentes»).
Max Estrella y Rubén Darío hablan de la vida, de la muerte,
de la teosofía (Madame
Blavatsky [1831-1891]), de las postrimerías (el cielo, el
infierno), y del Marqués de Bradomín,
viejo pecador que está a punto de morir. Los dos recuerdan
París. La escena termina con un desfile con su pata coja de
Paul
Verlaine, poeta simbolista francés (1844-1896).
Don Latino de Hispalis, Max
Estrella y Rubén Darío
Décima (10ª.) escena: Paseo
con jardines. Max Estrella y don Latino caminan por el paseo y se
encuentran con dos prostitutas, una Vieja Pintada,
quien termina con don Latino, y La Lunares,
joven de 15 años parecida a Pastora
Imperio (1885-1979), famosa bailarina gitana de la época.
Don Latino y la Vieja Pintada insultan a Maura. Max Estrella le dice
a La Lunares que se gana honradamente la vida guardando su «pan de
higos» (“her ‘goodies’”) para el gachó (“Gypsy for ‘guy’”)
que la sepa camelar ( “woo”).
La Lunares & Max Estrella
Undécima (11ª.) escena:
Una calle del Madrid austriaco (la sección entre la Plaza
Mayor y la estación de trenes de Atocha,
construida en el siglo XVII por los Austrias españoles). Esta
escena fue añadida en 1924.
Max Estrella se fija que hay cristales rotos en la calle (ha habido una
manifestación obrera). Se oyen los gritos de Romualda,
quien trae en los brazos un niño
muerto que ha recibido una bala en la
sien. El tabernero
indica que fue una desgracia necesaria para el establecimiento del orden
público y que en efecto hubo toques de ordenanza (“alarm warnings”).
Un
albañil (“plumber”) critica la
violencia por defender el comercio que chupa la sangre a los pobres (crítica
anti-burguesa). El empeñista
(“pawnbroker”) se fastidia por este comentario: «El comercio honrado
no chupa la sangre de nadie». Max quiere salirse de este círculo
dantesco infernal. Como golpe de gracia, un
sereno (“watchman”) le dice al empeñista
que acaban de matar a un preso que intentó fugarse (probablemente
el anarquista
catalán, muerto por la «ley
de fugas», ley de 1921 que permite que se le dispare [a muerte]
a un preso si intenta fugarse de la justicia). Max ve la vida como
una trágica mojiganga
[“farce”] e invita a don Latino a acompañerlo a «un vuelo»
del Vidaducto
(en la calle Segovia de Madrid), o sea, a suicidarse lanzándose
del viaducto (el viaducto era lugar preferido de suicidas, como el famoso
puente de San Francisco [Bay Bridge] hoy día).
Romualda y el Niño Muerto
Duodécima (12ª.) escena:
Rinconada en costanilla (“a corner in a very steep road”). Iglesia
al fondo. Max y don Latino se sientan en un quicio (jamb)
de una puerta. Está amaneciendo. Max tiene frío
pero don Latino no le presta su chaqueta («carrik» [“pea jacket”]).
Al decir don Latino que la vida es una tragedia Max responde que no, que
es un esperpento
(«un absurdo»). Max deshumaniza a don Latino, pensando
que es un buey, pues siente el aliento caliente de don Latino. Critica
a los poetas ultraístas
(cubistas y dadaístas
de 1918) de farsantes y dice que el esperpento lo invitó Goya
y que los héroes clásicos reflejados en los espejos cóncavos
del Callejón del Gato dan el esperpento (o sea, una
absurda deformación): «España es una deformación
grotesca de la civilización española». Llegan
a la casa de Max y Madama Collet pero Max se está aburriendo y después
de darle las buenas noches a don Latino se muere tras ver una apoteosis
de París y el entierro de Víctor
Hugo (1808-1885), famoso novelista romántico francés.
Don Latino le quita la cartera, para que no se la robe alguien, y huye.
La portera y la
vecina encuentran el cuerpo muerto de Max Estrella y se disponen
a avisar a Madama Collet, esposa de Max.
Max Estrella & don Latino
Decimatercia (13ª.) escena: Velorio
en un sotabanco (“wake in an attic”). En el velorio están
Madama Collet, su hija Claudinita y los modernistas Dorio de Gadex, Clarinito
y Pérez. Llega don Latino de Hispalis, ebrio, honrando al
«primer poeta de España», a la viuda ilustre de tal
poeta (Madama Collet) y a Claudinita, quien lo insulta, hecho que no impide
que don Latino piense que la joven esté enamorada de él:
«¡Yo sé que tú me quieres!». Don
Latino y Dorio de Gadex se ponen a beber vino tinto («tintas»)
y llega al velorio Basilio Soulinake
(el anarquista ruso Ernesto
Bark), tratando de convencer a Madama Collet y su hija que Max
Estrella no ha muerto (a pesar de que el difunto ya ha empezado a apestar)
sino que sufre de catalepsia. Le ponen un cerillo encendido en el
dedo pulgar para ver si revive (no revive).
El
cochero de la carroza funeraria tiene prisa por llevarse el
difunto porque tiene que recoger otro muerto esa tarde (escena macabra).
Claudinita, Madama Collett,
Basilio Soulinake y la Portera
ante el ataúd de Max
Estrella
Decimacuarta (14ª.) escena: Un
patio en el cementerio del Este. Mientras dos sepultureros hablan
sobre el «Pollo del Arete» (“the young man with the earring”)
que disfruta a la viuda de un concejal, llegan al entierro de Max Estrella
el Marqués
de Bradomín (figura literaria de las Sonatas
de Valle-Inclán, quien describe a su personaje donjuanesco como
«feo, católico y sentimental») y el poeta nicaragüense
Rubén Darío (fundador
del Modernismo hispanoamericano). El Marqués de Bradomín
está consciente de que pronto morirá, y desea hacerlo como
cristiano, a pesar de sus pecados. Rubén Darío teme
la muerte. Al ver a los sepultureros
piensan que son los payasos en el entierro de Ofelia
en Hamlet V.I de Shakespeare (hacen literatura de la vida).
Aunque eso sí, Ofelia (quien se suicida por el desdén de
Hamlet) y Hamlet, si hubieran sido personajes españoles, habrían
sido una pareja regocijada y no trágica.
El marqués de Bradomín
& Rubén Darío
Última (15ª. [decimoquinta]) escena:
La Taberna de Pica Lagartos. Don Latino bebe con el «Pollo
del Pay-Pay» (‘straw hat” [expresión filipina]).
Ha ganado 10.000 pesetas con el décimo premiado de la lotería.
La Pisa Bien empieza a seducir a don Latino y el Poyo del Pay-Pay deja
ver que está «empalmado» (trae cuchillo). Pacona,
periodista, anuncia que El Heraldo (periódico) ha anunciado
la muerte misteriosa de dos señoras en la calle de Bastardillos
por el tufo de un brasero (“the fumes of a fireplace”). Aparentemente
Madama Collet y Claudinita se han suicidado al haber muerto Max Estrella
sin dejarles nada de dinero. Pica Lagartos le advierte a don Latino
que él, como amigo de Max, podría haberlas ayudado.
Don Latino indica que el mundo es un esperpento mientras Zacarías,
el borracho, declara; «¡Cráneo previlegiado!».
La Pisa Bien, don Latino &
Pica Lagartos
Grand Guignol
by Thomas Ballhausen
The Grand Guignol was founded as a single theatre,
which was opened in 1895. Under the management of Max Maurey the house
was renamed into “Le Grand-Guignol”, referring with its name to the badly
behaving, violent Mr. Punch-variation “Guignol”. The name of the theatre
became significant for the style of the presented plays:
„Its supporters called the Grand Guignol play
the most Aristotelian of twentieth-century dramatic forms since it was
passionately devoted to the purgation of fear and pity. […] Here
was a theatre genre that was predicated on the stimulation of the rawest
and most adolescent of human interactions and desires: incest and patricide;
blood lust; sexual anxiety and conflict; morbid fascination with bodily
mutilation and death, loathing of authority; fear of insanity; and overall
disgust for the human condition and its imperfect institutions“ (Gordon
1997: 2).
Very soon the “Grand-Guignol“ meant not only the theatre (which was
closed after World War II), it became a label for a certain mode of representation,
which is still valid today (Petermann 1987: 225).
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Theatre of Cruelty
(Encyclopædia Britannica Article)
Project for an experimental theatre that was
proposed by the French poet, actor, and theorist Antonin Artaud and that
became a major influence on avant-garde 20th-century theatre. Artaud, influenced
by Symbolism and Surrealism, along with Roger Vitrac and Robert Aron founded
the Théâtre Alfred Jarry in 1926; they presented four programs
before disbanding in 1929. Between 1931 and 1936 Artaud formulated a theory
for what he called a Theatre of Cruelty in a series of essays published
in the Nouvelle Revue Française and collected in 1938 as
Le
Théâtre et son double (The Theatre and Its Double).
Artaud believed that civilization had turned
man into a sick and repressed creature and that the true function of the
theatre was to rid man of these repressions and liberate his instinctual
energy. He proposed removing the barrier of the stage between performers
and audience and producing mythic spectacles that would include verbal
incantations, groans and screams, pulsating lighting effects, and oversized
stage puppets and props. Although only one of Artaud's plays, Les Cenci
(1935), based on works by Percy Bysshe Shelley and Stendhal, was ever produced
to illustrate these theories, his ideas influenced the productions of Jean-Louis
Barrault, Jerzy Grotowski, Jean Vilar, and The Living Theatre as well as
the work of such playwrights as Arthur Adamov, Jean Genet, and Jacques
Audiberti. |
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Movimientos literarios y
artísticos del siglo XX:
MODERNISMO
(1890-1940)
[movimientos de vanguardia: 1910-1925]:
POSMODERNISMO
(1940-2000)
POSPOSMODERNISMO (2001- )
GENERACIÓN
DEL 98:
DOS PROMOCIONES:
VIEJOS:
|
JÓVENES:
-
Pío Baroja y Nessi (1872-1956)
-
José Martínez Ruiz («Azorín») [1873-1967]
-
Ramiro de Maeztu (1874-1936)
-
Antonio Machado (1875-1939)
|
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MODERNISMO:
-
Jacinto Benavente
(1866-1954)
-
Ramón del Valle-Inclán (1866-1936)
-
Juan Ramón Jiménez (1881-1958)
-
Manuel Machado (1874-1947)
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El Modernismo
(José
Martí [Cuba, 1853-1895], Rubén
Darío [Nicaragua, 1867-1916], Oscar
Wilde, los parnasianos franceses [Paul
Verlaine]) es un movimiento literario hispanoamericano que empieza
en 1880, primero en Cuba y después en Nicaragua, y primero en prosa
y después en poesía. Los modernistas son más
cosmopolistas y esteticistas. Valoran el arte como supremo absoluto
y la belleza como máximo ideal. Se logra esto por el arte,
sobre todo por la poesía. Exaltan la imaginación y
la creacción literaria, incluso la fantasía (están
en contra del realismo objetivo y pesimista del Realismo),
así como los valores de la alta burguesía del siglo XIX.
Es por lo tanto un movimiento elitista (i.e., aristocrático)
y antivulgar (antiburgués medio o bajo y antiproletario).
Antonio Machado, Juan Ramón Jimenez, y Valle-Inclán tuvieron
un momento modernista que después rechazaron; Manuel Machado siguió
siendo modernista. Fue inicialmente arte escapista, exótico,
simbólico, voluptuoso, musical y colorista [sinestesia] (cf.Azul
[1888] de Rubén Darío). Tuvo después un aspecto
social, moral, religioso y panhispánico (cf. Cantos de
vida y esperanza [1905] de Rubén Darío).
José Martí
|
Rubén Darío
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Oscar Wilde
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Paul Verlaine
|
-
MODERNISMO:
Es un movimiento literario que empieza en Hispanoamérica en 1880.
Se pierde el sentido político de una época anterior.
Formas poéticas antiguas como el romance octosilábico (verso
asonante de 8 sílabas), el endecasílabo (verso consonante
de 11 sílabas), el tetrasílabo (verso de 4 sílabas),
el alejandrino monorrimo (verso consonante de 14 sílabas), y aun
el hexámetro griego (de 6 sílabas) fueron resucitadas en
esta época. Se enfatiza el uso de la metáfora, la musicalidad,
la cinestesia y el galicismo. Hay una gran simplificación
de la sintaxis. El lenguage se hizo más armonioso. El Modernismo
incorporó el Romanticismo,
el Simbolismo
y el Parnasianismo;
los temas orientales, clásicos y nórdicos; la literatura
peninsular de antes del Siglo de Oro, así como la del Siglo de Oro
(siglos XVI [Renacimiento]
y XVII [Barroco])
y la literatura de los EEUU. Incorpora también las tradiciones
de los pueblos americanos y da una amplia visión cosmopolita. Los
que iniciaron el Modernismo
fueron Gutiérrez Najera (de Méjico), José
Asunción Silva (de Colombia), Julián del Casal
y Jose Martí (de Cuba). El más famoso de los
Modernistas es, por supuesto, Rubén Darío (de Nicaragua),
cuya influencia llegó a España y afectó a Valle-Inclán.
Se supone que los modernistas escribieron sobre temas artificiosos y bellos
sin acordarse de una ralidad económica y política desastrosa.
MOVIMIENTOS DE VANGUARDIA (1910-1925):
-
Parnasianismo: Un movimiento estético francés
de la segunda mitad del siglo XIX (ca. 1860) creado como reacción
contra el Romanticismo de Víctor Hugo, el subjetivismo y el socialismo
artístico. Los fundadores de este movimiento fueron Théophile
Gautier (1811-1872) y Leconte de Lisle (1818-1894). El arte es un
fin en sí mismo, no un medio para justificar otro fin (e.g., el
cambio social). Es objetivo y el autor se elimina de su obra (o sea,
noe es subjetivo). El arte es un tipo de religión para los
paransianos, cuyo lema era: L'art pour l'art.
-
Simbolismo: Un movimineto inventado por Jean Moréas en 1886
y que sostiene que el Romanticismo, el Naturalismo y el Parnasianismo han
muerto (cf. Baudelaire, Mallarmé, Verlaine, Rimbaud). El Simbolismo
evoca objetos para crear un ambiente. Es sugestivo y oblicuo.
El Simbolismo tiene una tendencia muy privada, personal y transcendental.
Sus imágenes son símbolos que representan un mundo general
e ideal (el mundo real es sólo una sombra de éste).
Este «otro mundo» se alcanza sólo por medio de la poesía;
así que el poeta es un profeta que ve a través del mundo
real al mundo ideal de formas y esencias ideales. El verso es musical.
Se enfatiza el verso suelto (blank verse) y poemas «en prosa».
-
Dadaísmo: Dada viene de la palabra francesa para hobby
horse. Es un movimiento nihilista empezado en Zurich (Suiza)
ca. 1916 por el rumano Tristan Tzara. El término significaba
todo y nada a la vez. Se enfatizaba una libertad absoluta, sin relgas,
ideales o tradiciones. El movimiento se hizo popular en París
después de la Primera Guerra Mundial (1914-1918). Su plan
artístico era montar recortes (collage) de objetos y palabras
sin relación alguna. Su palabra clave era: «nada».
Después de 1921, el Dadaísmo se convirtió en Surrealismo.
-
Surrealismo: Un movimineto artístico francés
de 1920 que se desarrolló del Dadaísmo. El arte surrealista
trata de captar como funciona el inconciente. Es una arte no-lógico.
La mente debe liberarse de la razón y la lógica del mundo
conciente. Este movimineto fue influenciado por Sigmund Freud.
Se desarrolló también la escritura automática (cf.
James Joyce) y el discurso paranoico (stream of consciousness). Guillaume
Apollinaire y André Breton fueron figuras clasves en este movimiento.
Se interesaban en los efectos de los sueños y las alucinaciones.
Trataba este arte no-realista captar nuevos conocimientos. Influenció
el arte (cf. Chirico, Max Ernesst, Pablo Picasso, Salvador Dalí),
el cine (Luis Buñuel, Jean Cocteau) y la literatura (Antonin Artaud,
Eugène Ionesco, Jean Genet, Samuel Beckett, William Burroughs, Alain
Robbe-Grillet).
-
Expressionismo: Un movimiento alemán de 1920.
El arte expresionista trata de dar una visión muy personalizada
del mundo, no una representación fidedigna del mundo externo.
Reaccionan contra el Realismo. Tratan de captar realidades sicológicas
como Franz Kafka.
-
Absurdo: Ver existentialismo ateo, Ultraismo, etc.
-
Cubismo: Ver Futurismo. Poesía pura, etc.
En arte, se enfatizan las formas geométricas o puras (o sea,
no realistas). Picasso.
-
Decadencia: Ver Simbolismo. Este movimiento valora la
autonomía completa del arte, enfatizando lo sensacionalista, lo
melodramático, lo bizarro, lo artificial, el arte por el arte, y
la posición superior del poeta frente a la sociedad burguesa. Se
valora también la experiencia personal, el autoanálisis,
lo perverso, lo exótico. Hay cierta preocupación por
las ruinas, lo triste, lo desesperante, lo morboso, lo ostentoso.
Cf. The Picture of Dorian Gray de Oscar Wilde o las litografías
de Audrey Beardsley en la Inglaterra victoriana de los «Yellow Nineties».
Arte europeo simbólico
decadente
-
Existencialismo: El término deriva del filósofo
dinamarqués Søren Kierkegaard (1813-1855), quien influenció
a filósofos como a Miguel de Unamuno, Martin Buber y Karl Jaspers.
Friedrich Nietaxche después influenciará a los existencialistas
ateos como Martin Heidegger, Albert Camus, Simone de Beauvoir y Jean-Paul
Sartre. Los existencialistas no ateos encuentran paz y tranquilidad
en la creencia en Dios (aunque no tengan fe). Para los ateos, la
existencia es anterior a la esencia y uno tiene que escoger lo que uno
quiera ser. Uno está obligado a hacerse a sí mismo.
Uno puede escaparse del absurdo de la vida, según Sartre, por medio
de acción social. Cf. Ethics of Ambiguity de
Simone de Beauvoir.
-
Futurismo: Movimiento revolucionario del italiano Filippo Marinetti
(1876-1944),
quien escribió su Manifiesto del futurismo (París,
1909). Su programa consistía en destruir todo el arte burgués
tradicional. Se elogia lo moderno, lo mecánico, lo rápido,
así como la guerra y el patriotismo. Se convierte en arte
fascista en la Europa occidental y en arte socialista en la Unión
Soviética.
-
Ultraismo: De 1922. Algo similar al Absurdo (lengua
privada que va más allá de lo socialmente comprensible).
Se eliminan todos los elementos superfluos que no sean estrictamente líricos.
Énfasis en la imagen y la metáfora. Sin sentimentalismo.
Jorge
Luis Borges (Argentina).
-
Generación del 27. Tercentenario de Luis de Góngora
(el gran poeta del Barroco). Poesía pura y lírica.
Juan Ramón Jiménez (1920-1930). Poesía concentrada.
Se elimina la decoración superflua del poema, que se considera impura.
Más intelectual, menos sensual, impresionista y romántica.
Se trata de lograr la perfección poética. Neo-gongorismo.
Pero Lorca y Alberti escriben una poesía popular estilizada.
Se usa de nuevo el romance (verso asonante de 8 sílabas).
Algo de Surrealismo, pero no se logró en España la escritura
automática de André
Breton. Guillén y Salinas, más intelectuales
y disciplinados.
-
Creacionismo: Vicente Huidobro (Chile, 1893-1948).
De 1916. Independencia de la realidad y la naturaleza. Metáforas
insólitas, imágenes yuxtapuestas, arte no realista.
Para crear nuevas realidades en poesía se tenía que crear
el objeto en lugar de imitarlo.
-
Stream of Consciousness («discurso paranoico» en español):
Término inventado por el sicólogo William James en Principles
of Psychology (1890). En prosa, se refiere a los pensamientos y sentimientos
que fluyen libremente por la mente. Se convierten en monólogos
interiores en las novelas de James Joyce como Ulysses (1922) o The Sound
of the Fury (1931) de William Faulkner.
-
Tremendismo: Característica de la ficción española
después de 1940. Se enfatiza la violencia y el terror, las
tendencias violentas de la sociedad moderna y los daños causados
por la preparación social o religiosas de tales sociedades.
Cf.La
familia de Pascual Duarte de Camilo José Cela (1942) o
Nada
(1944) de Carmen Laforet. El tremendismo es en efecto una extensión
del Naturalismo pero con una dimensión sicológica.
En cine se convierte en Neo-realismo (cf. Las Hurdes
de Luis Buñuel). En la Unión Soviética en Realismo
Social (pero con un fin feliz). En Latinoamérica en Realismo
Mágico (combinación de Realismo y Surrealismo).
Tremendismo
|
Neo-Realismo
|
Realismo Social
|
Realismo Mágico
|
POSMODERNISMO:
El término Posmodernismo se refiere a cmbios,
desarrollos y tendencias que han ocurrido en literatura, arte, música,
arquitectura y filosofía entre 1950 y 1950. En la literatura,
estas tendencias son hacia lo no-tradicional y hacia lo no-autoritario.
Hay muchos juegos y parodias, experimentos, relativismo. Las novelas
carecen de trama y consisten de episodios difusos y un mínimo desarrollo
del personaje. Hay muchas repeticiones e inumerables experimentos
con el vocabulario, la puntuación, la sintaxis, el tiempo, y finales
o principios alternativos. Hay cierta falta de seriedad y cierto
desdén por la obra bien hecha y con cierta unidad. Hay cierta
oposición a los discursos dominantes de la sociedad. Hay complejas
relaciones entre el arte y su contexto social. Hay gran hostilidad
hacia lo eterno, lo metafísico, lo grandioso. El arte refleja
las realidades materiales del día. Se valora lo heterogéneo,
lo diferente, lo no-occidental, lo popular.
-
Pop: Arte espontáneo de 1960.
Multiplicación del mismo objeto (Andy Warhol), generalmente insignificante,
como la lata de una sopa de tomate Campbell.
-
Kitch: Del alemán kitschen (mezcla),
término peyorativo para referirse a un objeto de arte de escaso
valor para satisfacer el gusto popualr.
-
Punk: Arte agresivo y proletario contra la
cultura dominante (generalmente del Reino Unido).
|
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Created by:
A. Robert Lauer
arlauer@ou.edu
Updated last on
9 October 2004
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